Cuando hablamos de la historia del arte, nos referimos a la historia detrás de las obras de arte y de sus autores. Historiadores en todo el mundo sostienen que una obra no es un elemento aislado, sino que pertenece a una cadena de momentos dados en la historia.
Desde la época de la prehistoria, el arte es para los humanos un método de manifestación de ideas complejas. El mejor ejemplo son las pinturas en las cavernas de aquellos pobladores que ilustraban las formas esenciales de los animales que deseaban cazar.
Con el paso del tiempo, estas técnicas y materiales fueron sofisticándose para comunicar ideas cada vez más complejas. En este artículo te diremos cómo el arte fue evolucionando, etapa por etapa, hasta llegar a lo que es el día de hoy.
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¿Cuál es el origen del arte?
La historia del arte nace en la época del paleolítico medio (100.000 - 35.000 a.C.), de acuerdo con los historiadores. Esta época se caracteriza por las poblaciones nómadas y la presencia del hombre neandertal.
Ya desde entonces la necesidad por expresarse condujo a que se aprovecharan materiales como pigmentos, varas de madera o sus propios dedos para ilustrar una imagen. Se considera este como el punto de partida para el estudio de la historia del arte.
Desde entonces, con el paso del tiempo y las culturas, el arte ha sido un agente que ha ido cambiando y atravesando diferentes facetas. Te las contamos a continuación.
Etapas del arte
Durante toda la historia del arte se vivieron cambios y fluctuaciones entre las distintas culturas y la época histórica en que se realizaron. Cada etapa corresponde a la época histórica que atravesaba la humanidad.
Prehistoria
Como mencionamos anteriormente, el momento que marca el origen del arte es durante el paleolítico medio. En estas pinturas se pueden apreciar distintas figuras de animales como bisontes, venados y hasta mamuts.
El arte no solamente se manifestaba a través de las pinturas en las cuevas, sino también en esculturas, las cuales hacían referencia a uno o varios dioses. Algunas de estas pinturas datan de hace 20.000 o hasta 73.000 años.
La falta de recursos en aquella época no fue limitación para la expresión artística. Se aprovechaban tanto los pigmentos al alcance como las grietas en las rocas para agregar efectos a las pinturas.
Arte antiguo (Mesopotamia, Egipto, América, África, Asia)
Se le denomina así al periodo en que tuvo lugar el desarrollo de la escritura y el amasamiento de las civilizaciones más destacadas de Oriente. El lenguaje cuneiforme fue el primer código desarrollado, perteneciente a los sumerios.
La civilización mesopotámica se destaca por la integración del arte en la arquitectura y el uso de distintos materiales de construcción para elaborar templos u otras estructuras. Tanto los persas como los egipcios inspiraron sus propios mitos y arte de los mesopotámicos.
Tanto los persas como los egipcios inspiraron sus propios mitos y arte de los mesopotámicos.
Los egipcios desarrollaron un sistema de escritura denominado jeroglífico, que estaba profundamente influenciado por la religión. A diferencia de Mesopotamia, en Egipto se utilizaba el arte como instrumento de poder, en lugar de crear algo bello.
Los egipcios consideraban que el arte servía de intérprete entre los humanos y los seres divinos que regían la vida y la muerte. Esto lo plasmaron tanto en el diseño arquitectónico de sus estructuras como en sus templos, tumbas y pirámides.
La historia del arte en África corresponde a varias culturas que elaboraban distintos tipos de máscaras, jarrones y esculturas. En China se puede destacar la técnica de pintura tanto en la seda como el papel, y la influencia budista en la arquitectura y la escultura.
Por otro lado, en América el arte tenía un profundo carácter religioso, adivinatorio o cosmológico, lo que se puede apreciar en sus esculturas, templos o tumbas. Las pinturas en cuevas o en la cerámica representaban una poderosa relación con los dioses.
Arte clásico (Grecia, Roma)
El arte clásico se caracteriza por la mezcla de las artes con la sensibilidad humana, reflejando la visión del mundo, ya fuera real o imaginario. No solamente fueron las esculturas, pinturas y arquitectura las que permean la cultura Griega, sino también la literatura.
En esta última se desarrollaron la poesía, la filosofía y el teatro, las cuales fueron muy populares. El arte griego se enfoca en la representación de la belleza humana tanto física como emocional, así como su relación con los dioses.
Por otra parte, en el Imperio Romano el arte cumplía la función de mostrar poder y estatus, tanto en sus palacios como en sus templos. En la cultura romana, el arte, que se inspiraba de los griegos y egipcios, se destacaba en la pintura y la arquitectura.
Aunque ya no quedan muchas muestras de la pintura en la cultura del Imperio Romano, está bien documentado que era central en su expresión artística. Casi todas las casas de la antigua metrópoli romana tenían pinturas de gran calidad en sus paredes.
Arte medieval
El arte medieval es una de las etapas más largas en la historia del arte, duró desde el siglo V hasta el siglo XV. Durante esta etapa hubo distintos géneros y etapas de crecimiento, caracterizadas por el anonimato de sus artistas y también por las serias implicaciones religiosas plasmadas en las obras.
En esta etapa se muestran paisajes poco detallados y personajes rígidos que no muestran expresiones faciales. La incorporación del cristianismo se ve reflejada en su arquitectura, vitrales y pinturas.
El arte medieval no se entendía como una expresión de las emociones y pensamientos del artista, sino como una herramienta de reafirmación de poder y devoción a Dios. Durante esta época hubo un avance en distintas técnicas artísticas como manuscritos y orfebrería.
En los principales movimientos artísticos, encontramos el arte paleocristiano, bizantino, islámico y prerromántico. En el siglo XI se popularizó la arquitectura románica, caracterizada por edificios altos y luminosos hechos con materiales robustos y resistentes.
A mediados del siglo XII se originó en Francia la arquitectura gótica, que introduce la bóveda de crucería, los arbotantes y el arco apuntado. Este tipo de arquitectura destaca la sensación de ascensionalidad con muros altos, muy iluminados y con vitrales coloridos.
Durante esta época, los artistas solían pertenecer a logias donde se estudiaba el arte como un medio de diálogo con Dios. Estas logias eran las encargadas de planear y construir los templos religiosos en donde se realizaban pinturas sobre los muros.
El arte medieval no reconocía a los artistas que realizaban las obras, ya que éstas no se realizaban por una sola persona, sino por un equipo entero. Con el paso de los años, los integrantes fueron abandonando las logias para realizar trabajos por cuenta propia.
Arte de la Edad Moderna
La edad moderna se ubica aproximadamente entre el siglo XV hasta el XVIII, y se compone de dos corrientes principales: el Renacimiento y el Barroco. Es importante mencionar que a partir de esta época comenzó a reconocerse la importancia del artista.
Artistas como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel fueron reconocidos por sus importantes aportes al estudio de las artes y desarrollo de técnicas. Se caracteriza por retomar las costumbres griegas y romanas en una época de grandes avances tecnológicos y sociales.
El comienzo de la Edad Moderna se le llamó proto-Renacimiento, que comenzó en el siglo XII en Italia, donde la iglesia católica comenzó a perder control sobre varias dimensiones de la vida social. Se retomó el naturalismo y estudio de las proporciones humanas de la cultura griega.
Renacimiento
Para situar el contexto histórico en el que se vivió el renacimiento, hay que mencionar la gran relevancia en todos los aspectos de la vida cotidiana que tuvo el cristianismo. Esta etapa de la historia del arte tuvo lugar a finales del siglo XIV y alcanzó su apogeo durante el siglo XV.
En esta etapa, el arte se enfocó en hacer del hombre la pieza central de la sociedad y ya no Dios. Los acontecimientos más importantes del inicio del Renacimiento fueron la caída de Constantinopla, el descubrimiento de América y el origen del capitalismo.
Los artistas volvieron al antiguo folclore de la cultura griega y romana como las lenguas y los valores y tradiciones intelectuales. Los trabajos ya no eran sólo para nobles o el gobierno, sino que una familia burguesa podía contratar los servicios de estos artistas.
Durante el Renacimiento Temprano, se retomaron técnicas como las proporciones matemáticas, la escultura en mármol, y la relación divina entre los humanos y Dios. Los artistas más destacados de este movimiento fueron Donatello, Masaccio y Lorenzo Ghiberti.
Por otra parte, el Alto Renacimiento a finales del siglo XV, en Florencia, dio lugar a Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael Zanzio. Cada uno contribuyó con importantes aportes para la arquitectura, el estudio de la figura humana y la escultura.
El Alto Renacimiento a finales del siglo XV, en Florencia, dio lugar a Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael Zanzio.
Una de las principales características de la pintura renacentista son la variabilidad en los temas de las pinturas. No solamente se trataban temas religiosos sino también profanos. Otro de los rasgos en esta etapa es el uso de la perspectiva y una composición organizada.
Barroco
Después de las magníficas exploraciones artísticas realizadas en el Renacimiento, el Barroco fue la siguiente gran etapa en la historia del arte. Comenzó en el siglo XVII y fue una época que trascendió al arte.
Fue un periodo de grandes movimientos sociales, filosóficos, políticos y económicos, así como de grandes avances tecnológicos y científicos. Pero es en el arte que se aprecia mejor el clima y el temperamento de este momento histórico.
En aquellos días había serios movimientos políticos gracias al nacimiento de los estados modernos, y se vivía una crisis económica en la mayoría de ellos. Este escenario inspiró a los artistas a mostrar la realidad de una forma más radical, más cruda, y menos racional.
La pintura, escultura y arquitectura barroca se caracterizan por ser dinámicas, teatrales y sensacionalistas. El autor de la obra busca impresionar y estimular más allá de la vista, se comienzan a comunicar ideas más profundas y oscuras con el estilo de cada autor.
La pintura, escultura y arquitectura barroca se caracterizan por ser dinámicas, teatrales y sensacionalistas.
Aparece el movimiento tenebrista, cuyas obras se centran en el desequilibrio y la violencia. Artistas como José de Ribera y Matia Pretti son claros ejemplos de este movimiento, dando poca luz a sus obras y abordando temas religiosos como algo más bien mundano y sucio.
En esta etapa, se usa la perspectiva como un medio para comunicar una idea, en lugar de algo estético. Con esto en mente, Diego Velázquez pintó la que sería la obra representativa de la etapa Barroca, y una de las más estudiadas en la historia del arte: Las Meninas.
Rococó
El arte Rococó nació a principios del siglo XVIII en Francia, y se extendió rápidamente por toda Europa. El nombre de esta etapa surgió a partir de un juego de palabras que el pintor Quays hizo juntando las palabras “rocaille” (una clase de ornamento) y “baroque” (barroco).
Los artistas de la aristocracia decidieron darle un giro a los temas que abordaban en sus obras. Se dejó de lado la solemnidad y seriedad para dar paso a un estilo más juguetón, erótico y sentimental, comunicando la idea de una sociedad alta aburrida y en busca de la felicidad.
Neoclasicismo
Casi al tiempo en que el Rococó estaba tomando fuerza, el Neoclasicismo surge como una etapa en la que se retoma la temática de la cultura griega y romana. Se vuelve a lo básico, los dibujos y las formas, valorando más la factura del resultado final y su tema histórico.
Gracias a la influencia de la Ilustración en todas las dimensiones de la vida en Europa, se convierte a Roma una vez más en la capital cultural de occidente. Se realizan exploraciones arqueológicas para recuperar el pasado mítico y artístico.
Artistas como Bouguereau y Jaques-Louis David son los más representativos pintores de esta etapa. Antonio Canova y Chaucey Bradley Ives son, a su vez, los escultores más característicos del Neoclasicismo.
Romanticismo
A finales del siglo XVIII nació una etapa en la historia del arte que se alejaría de nuevo de lo racional para acercarse a la pasión humana: El Romanticismo. Surgió paralelamente en Alemania y Reino Unido como respuesta al hartazgo de la ilustración.
En el Romanticismo no se concibe al mundo como intelectual y sereno, sino como imperfecto, sentimental y brutal. La influencia del folclore medieval y el subjetivismo inspiró a los artistas de distintas disciplinas a retratar una realidad violenta, enloquecida y rebelde.
En esta etapa de la historia del arte se comenzó a ver al artista como un genio creador, como Dios. Entre sus artistas destacan Francisco de Goya y William Waterhouse, cuyas obras manifestaban ideas revolucionarias quedaron retratadas en sus obras.
Realismo
El Realismo es considerada la primera etapa en la historia del arte en la que comenzó a utilizarse el arte como medio de denuncia. Cansados del subjetivismo e idealismo, los pintores realistas retratan la rutina de las personas, buscando algo más cercano y directo.
Nacido en Francia en 1840, el movimiento revolucionario muestra la cruda realidad del día a día del trabajador. El Realismo rechaza lo exótico y lo sentimental por algo más obsceno, siendo así el foco de la atención política, ya que los artistas se comprometían con las clases bajas.
Nacido en Francia en 1840, el movimiento revolucionario muestra la cruda realidad del día a día del trabajador.
Uno de los pintores más relevantes fue Grant Wood con su famosa obra “Gótico Americano”, un ícono en todo el mundo. Otro de sus artistas fue Pellizza da Volpedo, con su obra “El Cuarto Estado”, que retrata al primer proletariado marchando por sus derechos.
Impresionismo
A mediados del siglo XIX surgió el Impresionismo, que a diferencia de las etapas antecesoras, no pretende concentrarse en la precisión y la factura. Esta etapa muestra un arte más elemental, enfocándose en plasmar la luz y los colores sin importar mucho el objeto.
Es decir, los impresionistas procuraban que la identidad de la forma resultara clara una vez que se contempla la obra como un todo. Como el nombre de la corriente, se pinta una impresión de las cosas a través de los efectos de luz y color, sin ocultar las pinceladas.
Estos pintores solían salir a pintar al aire libre, y así tenían un mejor entendimiento de cómo la luz era arrojada sobre los objetos. Los pintores más destacados son Claude Monet, Joaquín Soroya, y Edouard Manet.
Postimpresionismo
El postimpresionismo fue un término acuñado en 1910 por el crítico Roger Fry, en su intento por introducir al público a un puñado de artistas que habían fracasado en su época. Hizo una exposición que juntó a estos artistas, y resultó ser un desastre con la crítica y el público.
A pesar de ello, hoy en día se considera a esos pintores los pilares del arte moderno, y sus pinturas en estos días son las más costosas del mundo. Los postimpresionistas no eran conscientes de que estaban reaccionando en contra del impresionismo.
Sus artistas más relevantes también dieron pie a nuevas etapas en la historia del arte, por ejemplo, de Van Gogh se originó el expresionismo. Otro de sus exponentes, Gaugin, inspiró el primitivismo, de Seurat el fauvismo y de Cezanne el cubismo.
Simbolismo
El Simbolismo surgió a finales del siglo XIX, de nuevo como una respuesta contra la racionalidad. Los artistas del simbolismo volvieron de cierta forma al Romanticismo, pero combinando algunas drogas y buscando algo fuera de la realidad, más onírico.
Los artistas comunicaban sus ideas a través del símbolo y se alejaban completamente de la naturaleza para dar paso a la fantasía. Sus pintores más representativos son Gustav Klimt, Konstantin Yuon y Santiago Rusiñol.
Primitivismo
El primitivismo también surgió a finales del siglo XIX, y más que una etapa en la historia del arte, se trata de una corriente de la que se siguen inspirando los artistas hoy en día. Esta corriente fue inspirada también por los eventos de la segunda guerra mundial.
Esta corriente no pretende la precisión ni la belleza divina, sino capturar la inocencia de lo arcaico y que se alejara de la tradición artística europea. Sus principales pintores fueron Frida Kahlo, Amedeo Modigliani y Winifred Knights.
Art Nouveau
A principios del siglo XX surge el Art Nouveau, con la intención de dar al arte una cara más joven y moderna. El clima de la Primera Guerra Mundial llevó a los artistas a crear obras a partir de lo cotidiano, ya que en ello veían un valor estético intrínseco.
Tal como había sucedido con los movimientos artísticos previos, hubo una ruptura con lo anterior, teniendo la idea de que el futuro había comenzado. Sus principales exponentes son Edward Okun, Jan Rembowski y Max Pietchmann.
Art Decó
Esta corriente de la historia del arte nació en Francia, pero su popularidad alcanzó su punto más alto en Hollywood, durante el periodo entre las dos guerras mundiales. El Art Decó influenció en todas las ramas del arte, juntando el estilo del Art Nouveau y el arte egipcio.
Sus exponentes más importantes incluyen a Fritz Lang, que muchos conocerán por la película Metrópolis. Otra de sus artistas destacadas fue Tamara de Lempicka, que en sus pinturas procuraba mantener el balance entre un aire de decadencia y estilismo.
Orientalismo
Aunque esta etapa del arte se originó durante el Neoclasicismo, alcanzó su punto más álgido durante la primera mitad del siglo XIX. En esta etapa el arte tenía fuertes vínculos políticos.
Reino Unido lanzó campañas para expandirse por el continente Africano y lo que hoy conocemos como Medio Oriente. Los artistas hacían expediciones a Egipto y otros países para inspirar sus creaciones.
Sus artistas representativos fueron Mariano Fortuny y Jacques Majorelle, que en sus viajes estudiaron las culturas de Marruecos y Egipto. No todos los artistas salían de sus estudios, muchos de ellos tomaban referencia de la literatura, fotografías, otras pinturas.
Fauvismo
El Fauvismo comenzó en los primeros años del siglo XX, cuando artistas inconformes con tanto academicismo, deciden usar el color como una expresión emocional. En esta etapa lo que busca el artista es comunicar una espontaneidad mediante el color puro y en toques rápidos.
Sus artistas más valorados fueron Henri Matisse y Maurice Vlaminck. Sin embargo, Plablo Picasso llegó a pintar Fauvismo en los comienzos de su carrera.
Futurismo
Al tiempo que surgió el Art Decó, surgió una de las corrientes más rompedoras de la historia del arte moderno: el Futurismo. Los artistas de esta corriente buscaban romper con todo lo clásico para dirigirse a un mundo que estaba cambiando muy rápido a partir de la Revolución Industrial.
El futurismo emplea las figuras, colores y conceptos que comunican sus ideas con la impresión de la violencia. Los artistas que mejor aprovecharon esta corriente fueron Renato Bertelli, Tullio Crali y Christopher Nevinson.
Expresionismo
Aunque los primeros exponentes del Expresionismo ya tenían bastante tiempo de haber muerto, la popularidad de esta corriente se alcanzó antes de la Segunda Guerra Mundial. Se originó en Alemania, coincidiendo con el Fauvismo francés.
La diferencia que tenían los Alemanes era que la intención era mostrar matices más pesimistas, sucios y feos. Se utilizaba el color de forma pura y deformada para transmitir las emociones y sentimientos de la naturaleza humana, su autor más destacado, claro, es Van Gogh.
Cubismo
El nombre de esta etapa del arte sería acuñado a partir de que un crítico opinara fuertemente en contra de ella. El Cubismo, al igual que varias de las corrientes de la historia del arte que hemos revisado, surgió a principios del siglo XX.
Los cubistas entienden el lienzo a partir de dos dimensiones, por lo que su pintura retrata justamente eso, la bidimensionalidad. El cubista observa y contempla todas las caras del objeto e intenta plasmarlas (todas) al mismo tiempo en el lienzo
Los cubistas entienden el lienzo a partir de dos dimensiones, por lo que su pintura retrata justamente eso, la bidimensionalidad.
No podíamos dejar de mencionar al polémico Pablo Picasso como uno de los más influyentes artistas, no sólo del cubismo, sino del arte en general. Otro de sus exponentes sería María Blanchard quien curiosamente compartió apartamento con Diego Rivera.
Arte abstracto
Esta corriente surge a partir de que varios artistas deciden llevar el arte un paso más adelante y crear el arte abstracto. Fue Kandisky quien primero teorizó sobre que el arte propusiera una nueva realidad, y no representar “cosas” completas.
Surrealismo
El Surrealismo comienza en 1924 y se originó como una forma de continuar el movimiento Dadaísta. André Brenton es considerado el gurú del surrealismo. Gracias a la obra de Freud, conoció la realidad oculta en todos los seres humanos, el potencial del inconsciente.
Brenton llegó a ser tan purista con su base teórica que incluso se enemistó con el pintor Salvador Dalí, una de las figuras más emblemáticas del arte moderno. Otras de las pintoras más destacadas del surrealismo fueron Remedios Varo y María Izquierdo.
Orfismo
Entre los años 1911 a 1914 se popularizó un movimiento que provenía del arte abstracto, el Orfismo. Esta corriente supuso que las ideas podían ser transmitidas a través de composiciones abstractas y que tuvieran armonía musical.
Neoplasticismo
Entre 1917 y 1931 se hizo muy popular una corriente que se consideraba arte puro, el Neoplasticismo. Peter Keller y Piet Mondrian fueron quienes teorizaron acerca de un estado de arte que solamente se enfocará en la expresión de la línea recta en relación con el color.
Art Brut
Se le conoce como Art Brut a aquél movimiento en 1945 que impulsó a personas ajenas a pintar grandes obras sin tener el mayor conocimiento sobre las artes. En esta corriente no se pretende que haya un gran entendimiento del arte, lo importante es expresar el alma.
Esto popularizó la idea en España y Francia de que cualquier persona podía llegar a ser un gran artista. Miquel Barceló y Séraphine Louis son considerados los pintores más relevantes de este movimiento.
Informalismo
Después de la segunda guerra mundial, aparece el Informalismo en Europa, su principal característica es el uso variado de materiales. Muchos lo consideraban expresionismo abstracto, pero la diferencia, decían los informalistas, era su estilo más poético.
Arte cinético
En la década de los cincuenta nace el arte cinético, que pretende que las obras tengan (o parecen tener) movimiento, y hagan de espectador parte de la obra. Utilizan materiales de metal y conocimientos en ingeniería para elaborar obras que tengan un dinamismo complejo.
Pop-Art
El Pop Art nació en 1955 como una postura política ante la cultura del consumismo que se había creado en occidente. El Arte Pop utiliza símbolos del consumismo habitual para hablar acerca de lo habituados que estamos a una cultura superficial e impersonal.
Este movimiento fue totalmente revolucionario, ya que no era el arte el que imitaba la vida, sino que la vida imitaba al arte. Uno de sus exponentes más renombrados en la actualidad fue Andy Warhol, quien con sus obras llegó a predecir en lo que se convertiría el mundo.
Nuevo Realismo
Considerado el Realismo Americano, en el XX, el Nuevo Realismo retrata el agotamiento de la exuberancia cultural de los Estados Unidos. Esta corriente retrata el realismo de una forma solitaria y crítica de los impresionantes cambios que había tenido la sociedad Americana.
En esta corriente se dio origen a la obra más emblemática de la historia del arte Americano: “Noctámbulos”, de Edward Hopper.
Arte conceptual
En los años 60, ya encarrerados con la abstracción del arte hasta llegar fuera del lienzo, apareció el Arte Conceptual. Esta corriente se enfoca en la idea que quiere comunicar el artista, independientemente del medio o la belleza del objeto que utilice para hacerlo.
Los artistas conceptuales se dejan de tibiezas al representar o referenciar el objeto, para ser el objeto mismo lo que transmita la idea. Fue aquí que artistas de todo el mundo vieron el potencial que esta corriente tenía acerca de transmitir ideas políticas y sociales más directas.
Minimalismo
Al tiempo que la etapa conceptual también surge el arte minimalista, que es el último movimiento artístico de la modernidad. El arte minimalista no sugiere presentar una obra terminada, sino una propuesta del artista que integre a la audiencia como parte de la obra.
El arte minimalista no sugiere presentar una obra terminada, sino una propuesta del artista que integre a la audiencia como parte de la obra.
Hiperrealismo
Igualmente que el minimalismo surge su contraparte: el Hiperrealismo, cuya pretensión era la virtud técnica, la perfección. Esta corriente no sólo se vio en la pintura, sino también en la escultura copiando la realidad milímetro a milímetro.
Postmodernidad
A mitad de los años 70 la filosofía posmoderna se apoderó de las universidades y academias artísticas del mundo. La Postmodernidad alude a una corriente artística pesimista que no intenta comunicar el idealismo de las corrientes anteriores.
Los artistas posmodernos retratan una realidad borrosa y difícil de interpretar de una sola forma, aunque parezca un reflejo trivial o engañoso.
Street art
Esta corriente saltó a la popularidad en las calles de Estados Unidos en 1975, aunque ya desde el Imperio Romano se podían encontrar inscripciones en las paredes públicas. El Street Art se caracteriza por ser ilegal, libre, y generalmente crítica del Estado.
Arte Povera
También llamado Arte Pobre, surgió en Italia tras la crisis económica que había dejado la Segunda Guerra Mundial. El artistas de esta corriente utilizan materiales básicos, como telas, periódicos o fotografías
La intención de esta corriente es rechazar el consumismo, haciendo una mezcla entre el pasado y el presente. El arte en esta corriente no es una imitación a la vida o viceversa, sino que se abrazan para convertirse en uno solo, como la mayoría del arte contemporáneo.
Conclusión
Después de esta revisión simplificada de todas las etapas por las que ha pasado el arte, tendrás un contexto más amplio de cómo se desenvolvió la historia. No es para menos, hablar de la historia del arte es casi hablar de la historia de la humanidad.
Si bien es imposible abarcar absolutamente todos los estilos en un artículo, ahora no te queda duda de que el arte siempre fue un ir y venir entre orden establecido y el caos. Tanto así que estos días el arte parece haber resurgido como una virtud en la generación digital.
Las técnicas de hoy en día sin duda buscan llevar el arte y las ideas a nuevas dimensiones. Los historiadores consideran que la principal diferencia entre los artistas de antaño y los de hoy no es la técnica, sino las ideas.
Para conocer más del arte y de cultura general, seguí leyendo El Destape.
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